En el centenario del sufragio de las mujeres en el Reino Unido, observamos a las diseñadoras que han tenido un impacto en todo, desde los gráficos hasta los textiles en los últimos 100 años.

Margaret Calvert (1936-presente)

Fotografía de Steve Speller

Ampliamente considerada como la madre del diseño de información moderno, Margaret Calvert nació en Sudáfrica antes de mudarse a Inglaterra cuando era adolescente. Después de especializarse en ilustración en la Escuela de Arte de Chelsea, fue contratada por el conocido diseñador gráfico Jock Kinneir como su asistente. Su logro más significativo juntos fue, sin duda, su rediseño del sistema de señalización completo del Reino Unido, que reemplazó la caótica mezcolanza de diferentes tipos de letra y símbolos encargados por varios cuerpos que existían anteriormente. Comenzaron con las nuevas autopistas que el gobierno estaba liderando a fines de la década de 1950, y luego pasaron a revisar la señalización en todas las otras carreteras del país en la década de 1960. En 1964, Kinneir hizo un socio de Calvert y renombró a su consultor Kinneir Calvert Associates. Además de su trabajo como tipógrafo,Conferencia y Diseño del Presidente de D & AD Indaba .


Lucienne Day (1917-2010)

SOLAMENTE UN USO PERMITIDO. NO REUTILIZAR
Lucienne Day con tejido de decoración Calyx, 1951 © Robin & Lucienne Day Foundation / foto: Studio Briggs

Désirée Lucienne Conradi (más tarde conocida como Lucienne Day) es ampliamente reconocida por su contribución al diseño textil moderno. Si bien su carrera se vio inicialmente obstaculizada por el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, la gran oportunidad de Day llegó cuando le pidieron que participara en el Festival of Britain de 1951. Fue allí donde debutó con su famoso y geométrico diseño textil Calyx como parte del pabellón Homes and Gardens. Su trabajo se exhibió en el pabellón junto con los muebles de acero y madera contrachapada creados por su marido, el notable diseñador de muebles Robin Day. Hoy, Day es conocida por haber dado vida a la monotonía de la Gran Bretaña de la posguerra con sus diseños coloridos y estampados, que se han aplicado a innumerables alfombras, papeles pintados y cerámicas a lo largo de los años. Algunos de sus clientes más importantes incluyen John Lewis, Liberty y Heal’s Fabrics, a quién ella le produjo más de 70 patrones durante su relación de dos décadas. Estaba casada con la notable diseñadora de muebles Robin Day,


Ray Eames (1912-1988)

(Izquierda) Ray y (derecha) Charles Eames

La mitad de otro dúo de diseño de marido y mujer, el nombre de Ray Eames, es sinónimo del surgimiento del diseño moderno estadounidense a mediados del siglo XX. Después de estudiar originalmente pintura en Nueva York, Ray conoció a Charles en la Comunidad Educativa Cranbrook en Michigan en 1940. Menos de un año después, Charles se divorció de su esposa anterior y se casó con Ray en Chicago un mes después. Los dos se mudaron a su primera casa juntos en Los Ángeles, donde pasarían la mayor parte de su tiempo libre jugueteando con la madera contrachapada. Este prolífico período de experimentación resultó en su primer producto fabricado en serie: una férula moldeada de madera contrachapada que recibiría 150,000 pedidos de la Marina de los EE. UU. Para el final de la Segunda Guerra Mundial. También experimentaron con la fabricación de muebles en una amplia variedad de materiales, incluyendo fibra de vidrio, aluminio y en el caso de la silla lounge 1956, cuero y madera contrachapada. Uno de sus diseños más famosos, la silla se convirtió en la pieza central imprescindible de cualquier aspiración de la oficina del CEO durante los años 1960 y 1970. Después de la muerte de Charles en 1978, Ray dedicó el resto de su vida a comunicar su filosofía de diseño a través de la escritura y un sinfín de charlas. Ray falleció en 1988, pero tanto el legado de ella como el de Charles continúan hoy a través de la Fundación Eames establecida por su familia.


Zaha Hadid (1950-2016)

Foto de Brigitte Laco

Being the first woman to win the Pritzker Prize for Architecture in 2003 was no mean feat for the late Zaha Hadid. Born in Iraq, Hadid studied mathematics at the American University in Beirut before enrolling at the Architectural Association in London from 1972. It was there that she studied under Dutch architect Rem Koolhaas, who offered her a job after she graduated as a partner at his new firm, the Office for Metropolitan Architecture. Hadid was not destined to last very long there, however. Instead, she chose to develop her own brand of neo-modernist architecture that she became so well-known for. The early years of her career were tarnished by a series of abandoned projects, most notoriously the Cardiff Bay Opera House. But the Rosenthal Centre for Contemporary Art in Ohio, which opened in 2003, marked the point when her critics were forced to start eating their words. Famously, the opening night of her first major public building saw staff tackle the “diva” reputation that Hadid had been branded with head on, by wearing t-shirts that read “Would they call me a diva if I were a guy?” Hadid went on to create many high profile buildings in the UK, most notably the London 2012 Olympic Aquatics Centre.


Hella Jongerius (1963-presente)

Foto de Markus Jans

Originaria de los Países Bajos, la diseñadora industrial con sede en Berlín Hella Jongerius es famosa por su creencia en el “largo plazo” y es franca sobre el hecho de que “hay demasiado diseño de mierda” en el mundo de hoy. Su trabajo es conocido por mezclar técnicas artesanales tradicionales con tecnologías modernas. Jongerius montó su primer estudio – Jongeriuslab ¬- en Rotterdam en 1993, donde mezcló proyectos independientes con trabajos para grandes clientes como la aerolínea KLM y la sede de las Naciones Unidas (ONU) en Nueva York. Desde 2012, se ha desempeñado como directora de arte para la compañía de alfombras Danskina, además de ser directora de arte de colores y materiales para Vitra desde 2007. Los proyectos recientes incluyen una gran exposición en el Design Museum de Londres., que analizó la investigación del diseñador sobre las posibilidades del color.


Paula Scher (1948-presente)

Uno de los gigantes del diseño gráfico en los EE. UU., Paula Scher ha sido socia de la oficina de Pentagram en Nueva York desde 1991. Sin embargo, su gran oportunidad llegó a mediados de la década de 1990, con su emblemática identidad tipográfica para The Public Theatre. Scher ha creado identidades para marcas que van desde Citbank a Tiffany & Co, y su carrera docente incluye más de dos décadas en la Escuela de Artes Visuales, junto con puestos en Cooper Union, Yale University y Tyler School of Art. Ha sido miembro de la junta directiva del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas (AIGA), además de haber recibido su más alto honor, la Medalla AIGA, en 2001. Scher también ha sido el tema de varios libros y películas, incluida una monografía publicada por Unit Editions , y un documental de Netflix sobre el “arte del diseño” en 2017


Charlotte Perriand (1903-1999)

Foto de Paul Gutmann, Archivos Charlotte Perriand (cortesía de Cassina)

Uno de los diseñadores de muebles más influyentes del movimiento moderno temprano, Perriand es famoso por sus logros como mujer durante una era de arquitectura y diseño extremadamente dominada por hombres. Nacida en París, estudió en la Escuela de la Unión Central de Artes Decorativas, pero se sentía constantemente frustrada por su enfoque tradicional de enseñanza artesanal. Desde muy temprano tomó un enfoque diferente, inspirándose en el diseño industrial de los automóviles y bicicletas que veía todos los días en las calles de París. Después de graduarse, la carrera de Perriand casi terminó antes de que comenzara, cuando a la edad de 24 años ingresó a la oficina del arquitecto Le Corbusier y le dijo que la contratara como diseñadora de muebles. Su respuesta fue simplemente: “Aquí no bordamos cojines”. Afortunadamente para Perriand, varios meses después, Le Corbusier vio una de sus comisiones para la exposición Salon D’Automne en París y la contrató de inmediato. Trabajando con Le Corbusier y Pierre Jeanneret, Perriand desarrollaría la serie de sillas de acero tubulares por las que sigue siendo famosa hoy en día. Trabajó en el estudio durante más de una década en total, y durante ese tiempo también colaboró ​​con el artista cubista Fernand Léger y el diseñador de muebles Jean Prouvé.


Eileen Gray (1878-1976)

El diseñador y arquitecto de muebles convertido en artista Eileen Gray es posiblemente uno de los diseñadores más subestimados del siglo XX. En realidad, fue muy tarde en la vida que recibió reconocimiento por sus diseños clásicos, como el cuero y la silla tubular de acero Bibendum y la mesa de vidrio y tubular de acero E-1027. Nacida en el pueblo irlandés de Enniscorthy, Gray pasó su infancia en Londres y fue una de las primeras mujeres en ser admitida en el Slade, donde comenzó a pintar en 1898 antes de hacer un aprendizaje en un taller de laca en Londres. Después de abrir su propia galería en 1922 en París, se mudó a los muebles y trabajó estrechamente con muchas de las figuras destacadas del movimiento moderno, incluidos Le Corbusier y JJP Oud. Gray luego se mudó a la arquitectura, otra vez alentado por Le Corbusier y JJP Oud. Diseñó dos casas en los Alpes Marítimos, una en Roquebrune, que se construyó entre 1926 y 1929, y la otra en Castellar, construida entre 1932 y 1934. Después de la Segunda Guerra Mundial, y hasta su muerte en 1976, continuó trabajando como diseñadora en grandes proyectos como el Centro Cultural y Social. Hoy, su trabajo se conserva correctamente como parte de los archivos de las principales instituciones internacionales, como V & A y MoMa.


Susan Kare (1954-presente)

Foto por Ann Rhoney

Susan Kare es ampliamente considerada como una de las pioneras de la iconografía computarizada. Comenzó su carrera en Apple en la década de 1980, trabajando como diseñadora de gráficos de pantalla y fuente digital para la computadora Macintosh original. Fue mientras estuvo en Apple que Kare ayudó a dar forma a cómo se ve el lenguaje de las interfaces de usuario en la actualidad. Su archivo de gráficos en papel mostrando sus ideas para la interfaz original de Macintosh fue adquirido recientemente por el Museum of MoMA, y se muestra como parte de su exposición This is for Everyone: Design Experiments for The Common Good, así como también en el Design Museum Exposición 2017 sobre el diseño pionero de California .


Morag Myerscough (1963-presente)

El diseñador nacido en el norte de Londres, Morag Myerscough, ha estado aplicando su estética de marca y diseño colorido en interiores, instalaciones y espacios de exhibición durante más de dos décadas. Desde la fundación de Studio Myerscough en 1993, ha trabajado en encargos que van desde el primer espacio de exposición permanente en el nuevo sitio del Museo de Diseño en Kensington hasta dar un cambio de imagen vibrante a las habitaciones y pabellones del Hospital de Niños Sheffield . El diseñador también fue coronado como un Diseñador Real para la Industria (RDI) por la Royal Society of Arts (RSA) en 2017, un galardón ampliamente reconocido que celebró su trabajo por brindar “un beneficio significativo para la sociedad”.